Exposición “Ballerina: Fashion’s Modern Muse” en el Museo de FIT / ‘Ballerina: Fashion’s Modern Muse’ Exhibition at the Museum at FIT

Pocas formas de arte han sido tan decididamente femeninas como el ballet clásico. Como dijo sucintamente George Balanchine, el legendario coreógrafo: “El ballet es mujer”. Incluso aquellos que tienen poco conocimiento de esta forma de danza reconocen que su practicante suprema, la bailarina, es una artista altamente capacitada y consumada que encarna los ideales modernos de belleza y gracia, perfectamente encerrados en un físico elegante y envidiablemente tonificado. Su posición elevada, sin embargo, es un fenómeno relativamente reciente.

Durante siglos, las bailarinas, como otros artistas escénicos, fueron relegadas al margen de la sociedad y explotadas a lo largo de sus carreras. Sin embargo, después del exitoso debut parisino de los Ballets Rusos en 1909, sus circunstancias comienzan a mejorar. Esa compañía, fundada por el empresario Sergei Diaghilev, así como la compañía homónima dirigida por una compañera emigrada rusa, la bailarina Anna Pavlova, revitalizó la danza clásica en Occidente y encendió una locura generalizada y duradera por el ballet, o “balletomanía”.

Tan profundo fue el impacto del ballet que afirmó influencia en muchos campos de la creatividad, uno de los más importantes es la moda. Al mismo tiempo, la bailarina se convirtió en una figura de belleza y glamour venerada y ambiciosa, y su traje característico, el tutú encorsetado, inspiraría a muchos de los principales diseñadores de moda. A partir de la década de 1930 y hasta la de 1970, las bailarinas aparecieron con frecuencia en las principales revistas de moda. No solo se cubrieron sus actuaciones, varias de las bailarinas más hermosas modelaron regularmente los últimos modos.

Muchos de los objetos de alta costura de Ballerina: Fashion’s Modern Muse fueron diseñados y fabricados en París. Sin embargo, la popularización del ballet clásico a lo largo del siglo XX le debe mucho a los británicos y estadounidenses. El ballet clásico ruso imperial no solo sobreviviría, sino que se convertiría en las artes escénicas más populares en el Reino Unido y los Estados Unidos desde principios de la década de 1930 hasta mediados de siglo. Durante esa edad dorada, la alta costura buscó por primera vez ballets clásicos como Giselle, El lago de los cisnes y La bella durmiente, mientras que los diseñadores de ropa deportiva se inspiraron en los ballets contemporáneos interpretados con ropa de práctica aerodinámica.

Los más de 90 objetos a la vista incluyen: una deslumbrante variedad de vestidos de alta costura inspirados en tutú con corpiños deshuesados ​​y faldas voluminosas; Americano prêt-à-porter separa basado en leotardos y medias y calentadores de piernas; y calzado que va desde pantuflas planas de “bailarina” hasta tacones altos estilo “pointe” fetichistas. Los materiales inspirados en el ballet se volvieron cada vez más importantes: la red de seda conocida como tul se convirtió en uno de los materiales estándar utilizados para confeccionar vestidos de noche, mientras que los tejidos eran el material preferido para las prendas deportivas. Los colores emblemáticos de las bailarinas, como sus mallas y zapatillas de punta “ballet pink”, así como los tonos popularizados por ballets específicos como el azul “Sleeping” y el lila de la Bella Durmiente, también se abrieron camino en las colecciones de modistos y ready- diseñadores de prendas de vestir durante los años de mediados de siglo. Para dilucidar la apropiación de la moda de los elementos del ballet, las prendas se entremezclan con una selección selecta de trajes de ballet usados ​​por bailarinas legendarias como Anna Pavlova y Margot Fonteyn, así como estrellas del Ballet de la ciudad de Nueva York y el Teatro de Danza de Harlem.

La exposición también presenta la idea de la bailarina como una “mujer de estilo”. Más de una docena de conjuntos de Christian Dior, Yves Saint Laurent y Halston y usados por estrellas como Margot Fonteyn, Alicia Markova, Maria Tallchief y Virginia Johnson ilustran el importante papel que jugó la moda en la carrera de la bailarina. La influencia del ballet en la moda comenzó a disminuir lentamente a principios de la década de 1980. Su gran influencia de mediados de siglo se desvaneció con el auge de la cultura juvenil y el declive simultáneo de la alta costura. Aun así, las bailarinas se beneficiaron de los vientos culturales cambiantes que elevaron su arte, y no han perdido la posición emancipada que les legaron generaciones anteriores de bailarines.  Reverenciar a la bailarina, la musa moderna de la moda, sigue siendo un espíritu que adoptamos hasta el día de hoy.

Ballerina: Fashion’s Modern Muse has been made possible thanks to the generosity of the Couture Council of The Museum at FIT and the New York State Council on the Arts, with the support of Governor Andrew M. Cuomo and the New York State Legislature. Additional support was provided by the Society of Antiquaries of London and The Gainsborough Bath Spa.

Special Exhibitions Gallery
February 11 – April 18, 2020

Barbara Karinska’s “Emeralds” costume from Jewels, designed in 1967. New York City Ballet. Courtesy of Museum at FIT.

Howard Greer’s Odile black silk tulle and sequin evening dress, circa 1951.Lent by Beverley Birks. Courtesy of Museum at FIT.

Tamara Toumanova wearing Christian Berard’s costume for Cotillon, choreographed by George Balanchine for the Ballets Russes the Monte Carlo, 1932. Courtesy of Museum at FIT.

Barbara Karinska’s La Valse costume, gray satin bodice with rhinestones, gray, pink, red tulle skirt. New York City Ballet. Courtesy of Museum at FIT.

Maggie Norris Couture Angelique gold embroidered silk satin corset and aqua tulle skirt, 2012. Lent by Maribel Lieberman. Modelled by Lauren Lovette. Courtesy of Museum at FIT.

Noritaka Tatehana pink leather ballerina pointe-style shoes, 2012. Courtesy of Museum at FIT.

Anna Pavlova, costumed as “The Dying Swan,” from Swan Lake, 1905. Courtesy of Museum at FIT.

Barbara Karinska’s La Valse costume, gray satin bodice with rhinestones, gray, pink, red tulle skirt. New York City Ballet. Courtesy of Museum at FIT.

Margot Fonteyn’s “Princess Aurora” costume from Act II of “The Sleeping Beauty” from the 1960s, original designed in 1946 by Oliver Messel. Lent by Victoria and Albert Museum, London. Photo : Courtesy of Museum at FIT

Barbara Karinska, “Diamonds” costume from Jewels, originally designed in 1967. Lent by the New York City Ballet. Photo : Courtesy of Museum at FIT

Barbara Karinska, “Diamonds” costume from Jewels, originally designed in 1967. Lent by the New York City Ballet. Photo : Courtesy of Museum at FIT.

Gabrielle “Coco” Chanel’s étoiles navy blue tulle and sequin evening dress from 1937. Lent by Beverley Birks.Photo : Courtesy of Museum at FIT.

Pierre Balmain spring ’60 painted white tulle debutante gown with painted velvet “feathers.” Courtesy of Museum at FIT.

Pierre Balmain spring ’60 painted white tulle debutante gown with painted velvet “feathers.” Courtesy of Museum at FIT.

Christian Louboutin, black patent leather Fetish Ballerine shoes, 2014. Courtesy of Museum at FIT.