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Para los amantes de la danza de jazz y el teatro musical, entrevista la bailarina y maestra Gabriela García


28 octubre, 2020
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bailarines de ballet  Para los amantes de la danza de jazz y el teatro musical, entrevista la bailarina y maestra Gabriela García

“Si tienes la suerte de haber vivido en París cuando eres joven,  luego París te acompañará vayas donde vayas, todo el resto de tu vida, ya que en París hay una fiesta que nos sigue”. Ernest Hemingway. Epígrafe de “París era una Fiesta” (1964).

Lo mismo sucede con la danza. Si tienes la suerte de tener excelentes maestros, ellos te acompañan siempre, en cada movimiento y en cada paso de baile.

En mi búsqueda por estudiar en detalle el estilo y repertorio de Bob Fosse de la mano de maestros y bailarines profesionales que trabajaron con él o, bailaron en musicales importantes, me encontré en las redes con Gabriela García, una gran profesional. Sin duda ha sido un descubrimiento y un acierto muy inusual.

Gabriela es una maestra que dedica su tiempo y energía al oficio de enseñar. Sus clases son intensas y en ellas se trabaja muchísimo. Ella explica a sus alumnos la manera de ejecutar pasos y movimientos brindando generosamente todas las herramientas necesarias para que los jóvenes aprendan el arte de bailar de una manera armónica y sólida, sin olvidar la técnica.

Esto se logra cuando un profesional ha perfeccionado sus habilidades como maestro y además desarrolló la capacidad de mostrar y transmitir el conocimiento y la experiencia de la mejor manera. Sabe comunicar los principios del estilo Fosse de una manera que, según mi experiencia, ayuda a comprender el concepto y a ejecutar los pasos de manera segura.

Gabriela García es una artista que divide su tiempo entre las industrias de teatro, la danza, los comerciales y la educación. Asumió el cargo de capitana de danza y fue miembro del ensamble para la obra CHICAGO – The Musical en Broadway y en giras estadounidenses. Desempeñó el papel protagónico de Velma Kelly en CHICAGO Viena y Ciudad de Mexico.

Como coreógrafa asumió el cargo de Asociada de Danza para el montaje de la obra CHICAGO en Düsseldorf Alemania. Trabajó en la coreografía para la obras Sweet Charity y CHICAGO para la productora Preludio en Lima, Perú.

Fué Asociada de Movimiento para la producción de Sweeney Todd en el Teatro Barrow Street de Nueva York y coreógrafa asociada en la producción de Twelfth Night en el teatro Delacorte.

Actualmente dicta clases de Introducción al estilo Fosse® avalada por el legado Verdon-Fosse que se dedica a preservar, proteger y promover la propiedad intelectual artística de Bob Fosse® y Gwen Verdon.

Me encanta su manera de enseñar y sus rutinas. Como bailarina disfrutas de verla en acción porque estas frente a una grande. Es un placer verla y sus clases brindan la oportunidad de aprender el auténtico arte del jazz y del teatro musical.

Hablamos con ella.

Carolina de Pedro

bailarines de ballet  Para los amantes de la danza de jazz y el teatro musical, entrevista la bailarina y maestra Gabriela García

Entrevista con Gabriela García

Me cuentas que el ballet clásico forma parte de tu formación. ¿Puedes contarnos cómo fueron tus estudios, donde y con quien te formaste?

Empecé el ballet clásico a los 6 años bajo el Syllabus de RAD en la primera escuelita que se abrió en mi ciudad de La Paz, Baja California Sur– Mexico, Academia de Ballet Mejibó que aún existe. Posteriormente mi familia se mudó a Los Ángeles y tuve la oportunidad de aprender de Anna Cheselka, una maestra Rusa que tenía un estudio en Studio City, CA. Aprendí de ella, al igual que de la aclamada bailarina holandesa Joyce Van der Veen, bajo el método Vaganova. En esa misma escuela aprendí los elementos del Jazz que estaban en todo su apogeo en Hollywood donde varios de mis maestros habían participado como bailarines en programas de variedad de TV como ensamble de jazz, o en los famosos videos musicales de artistas pop.

Al regresar a México empecé a compartir lo aprendido, dando clases de jazz en mi escuela Mejibó y coreografiando números para los festivales de verano.
Los veranos me iba a estudiar a Guadalajara México, y otras escuelas bajo el RAD, donde asistí a la escuela de la Royal en Londres. Termine todos mis niveles de la Royal hasta avanzado y después de finalizar mis estudios de bachillerato me mudé a la ciudad de Guadalajara, para asistir a la universidad cursando licenciatura en comunicación y al mismo tiempo bailando en una pequeña compañía de cámara.

Mi inquietud del ballet clásico y el hecho de que mi tiempo se acortaba como bailarina me dió el coraje de dejar la universidad y salir a buscar una carrera de lleno dentro del ballet. La escuela del Ballet de San Francisco (SFBS) me otorgó una beca parcial y me mudé a esa bella ciudad para seguir mi sueño. Recuerdo que llegué muy orgullosa con mis certificados con honores de la Royal, pero rápidamente me dí cuenta que eso no me servía, pues lo importante era mi desempeño como ejecutante.

SFBS llevaba una técnica más “Balanchinesca”. Nunca había trabajado tan duro. Mi día empezaba a las 8am con clases de técnica, puntas, folklore, jazz, y ensayos según la programación de la temporada. Crecí mucho. Llega el Pacific Northwest Ballet School a hacer audiciones para su programa de verano y me ofrecieron beca completa para el año y participación con la compañía y así llegué a PNB en Seattle, Washington. Fueron años hermosos ya que PNB era una compañía que yo consideraba perfecta.

Todas las clases incluyendo técnicas, eran en puntas. Pase semanas horribles con ampollas en mis dedos de los pies pues no estaba acostumbrada a bailar días enteros en puntas y aun así seguía bailando, pues si dejaba de bailar siempre había alguien que podría tomar mi lugar. Tuve la oportunidad de participar en ballets como “Sueño de una Noche de Verano”, “Coppelia”, “Lago de los Cisnes” en donde fui una de las princesas. “Symphony in C” entre otros, pero lo que más agradezco es haber bailado en “Serenade”, el primer ballet que creó Balanchine.

Aún tengo en la memoria el recuerdo de estar en el escenario escuchando esa música hermosa de Tchaikovsky y sintiendo la luz al subir el telón que mostraba esos tutus azules y los pies del ensamble en sexta posición que repentinamente abrían a primera. PNB no podía otorgar permiso de trabajo, única razón por la cual no me quede en Seattle y Francia Russell, la directora de la compañía me sugirió irme a Europa. Así llegué a Viena sin saber el idioma y sin conocer a nadie. Para no alargar tanto la historia, entre Austria y Alemania encontré el teatro musical y al sentir lo que es contar una historia mediante el canto, la actuación y el baile, quedé convertida a ese arte.

Nunca he dejado el ballet. Es mi base y la base para cualquier bailarín sin importar que estilo baila. Formé parte de Tanzforum Koeln, el ballet de la Opera de Colonia que era una compañía contemporánea en donde además de bailar daba clase de ballet para la compañía.

Vivir en Europa fue un regalo y una gran experiencia. Me quedé 8 años y medio.
Nota: Cabe mencionar que después de 30 años, retome mis estudios superiores y obtuve mi licenciatura en Artes Escénicas. Nunca es tarde.

La coreografía de Sweet Charity es una obra de arte. ¿Trabajaste en ella haciendo reconstrucción de toda la obra o solo dealgunas partes?

La productora Preludio de Lima Perú me contrató como coreógrafa para el montaje de su producción que era la versión larga de 1966.
Para entonces había empezado a asistir a las clases de entrenamiento del Legado Verdon-Fosse y obvio eso me ayudó enormemente.

Hice medio reconstrucción y medio interpretación mía al estilo de Bob Fosse. Quería mantener ciertos bailes y líneas icónicas que tiene ese musical como Frug y Something Better than This. Trabajamos muchísimo para que los bailarines pudieran acoplarse al estilo. Las otras coreografías fueron interpretación mía en el estilo Fosse pero claro, la coreografía tiene que seguir la historia que se está narrando en la canción por lo que eso se fue creando también utilizando las fortalezas de los protagonistas.

Fue una gran experiencia y agradezco a mis “dance captains” por haber mantenido la calidad de las coreografías durante mi ausencia.

Fuiste miembro del ensamble para la obra CHICAGO – The Musical en Broadway y giras estadounidenses. Pienso que trabajar en Broadway, y más en un musical como Chicago, tiene que ser maravilloso y también duro. ¿Cómo se llega a un escenario de Broadway?

¿Cómo se llega? Con muchísima dedicación y disciplina, además de buenos modales y teniendo confianza en tí mismo.

Digo esto porque tal vez aunque yo hubiera tenido una técnica impecable y una voz increíble, si no tuviera modales para tratar a la gente, o si solo me concentrara en mi misma sin darle importancia a los demás, quién me hubiera querido en su compañía? La gente habla, tú eres tu tarjeta de presentación.
Si además de amar lo que haces, respetas a todas las personas que trabajan contigo incluyendo a los que barren el escenario para que tu puedas bailar en el, eres honest@ y profesional, llevarás mucho por delante. El resto es poder tener entrada a las audiciones de Broadway para que te puedan ver.

Si no eres miembro del sindicato de actores necesitas un agente que te pueda conseguir cita para audicionar. Todos los trabajos de Broadway son del sindicato de Actors Equity, pero si no formas parte del sindicato y te invitan a una audición y te ofrecen contrato, inmediatamente entras a formar parte del sindicato.

La mayoría de los trabajos que he hecho después de Chicago los he obtenido por pura relaciones públicas. Porque conozco al coreógrafo y él ya conoce mi trabajo, porque algún colega me refirió con un productor y ya saben la trayectoria de trabajo que tengo. Con Chicago llevaba la ventaja de que había trabajado en la obra en Viena y además trayectoria de Dance Captain y cuando llegué a Nueva York fue cuestión de esperar a que se abriera una oportunidad y un espacio.

Fue realmente un honor haber participado casi once años en Chicago Broadway y ocho de ellos como Dance Captain y tener la responsabilidad de no solo cuidar de la coreografía sino también de integrar a estrellas de TV y de teatro a la obra año tras año.

Algunas personas a quienes me tocó entrenar fueron Melanie Griffith, George Hamilton, Usher (el cantante), Huey Lewis, Kevin Richardson (Backstreet boys), Ashleigh Simpson (hermana de Jessica Simpson), Sofia Vergara. Sofía pasó por el escenario de Chicago en el papel de “Mamacita Morton” antes de que estallara su estrellato en la serie de Modern Family. Bueno, esos son solo unos cuantos nombres de muchos más.

¿Qué es lo que te gusta del estilo de Bob Fosse?

Me encanta que creó un estilo basado en sus debilidades, que si nos ponemos a pensar, eran su fortaleza.

El hecho de que pensaba como actor y que cada movimiento tiene su intención. Lograba construir líneas corporales como un arquitecto trazando su plano y se inspiraba en movimientos peatonales y los modificaba de una manera increíble. Y bueno, se siente increíble bailar su estilo una vez que lo entiendes pues viene de las entrañas.

¿Quién te interesa en el mundo del baile y la danza actualmente y por qué?

Disfruto el trabajo de Justin Peck porque es como el nuevo Jerome Robbins en lo que se refiere al movimiento. Un chico jóven que piensa más allá de las barreras y que tiene una visión de aventurero.

Netherlands Dans Theater siempre me inspira con sus producciones. Dentro de Broadway me encantan las producciones con las que en verdad te puedas identificar de alguna manera con el personaje, que te dejen pensando como Dear Evan Hansen, The Band’s Visit, historias sencillas pero con un mensaje.
Dentro de los coreógrafos de Broadway admiro mucho el trabajo de Stephen Hogget porque es de los coreógrafos que toman una idea o un movimiento peatonal y lo convierten en danza, entonces se ve orgánico y de repente ves que el actor está bailando y no te habías dado cuenta ya que el movimiento está enlazado totalmente con el personaje y la historia.

Los Juke Box musicals son divertidos (los que se construyen en base a canciones de pop conocidas o artistas ya conocidos) pero me gusta llevarme algo más que pensar y sobre todo ver historias nuevas y originales.

¿Cuáles son tus planes dentro de la danza?

En esta etapa de mi vida, mi segundo acto, yo ya no soy ejecutante como antes. Ahora soy la actriz que canta y baila además de coreógrafa, locutora comercial, y Co-fundadora de R.Evolución Latina–una organización que activa el crecimiento humano colectivo e individual a través de experiencias artísticas para el cambio social–en donde la danza es una herramienta esencial para empoderar a los jóvenes.

Como maestra en danza de jazz y teatro musical, lo que me interesa es abarcar terreno en América Latina y España y países de habla hispana y compartir mis conocimientos.

Como Mexicana siento una gran responsabilidad de hacerlo. Hay una sed de aprendizaje en estos países que a veces no se ve en Estados Unidos porque allá lo tienes todo a tu alcance. Si no comparto lo aprendido a las nuevas generaciones con todo el aprendizaje que he tenido en mi carrera, entonces no cumplí totalmente mi misión. Al final no nos llevamos nada y lo que vale para mi es saber que de alguna manera pude ayudar, inspirar y empoderar a otros y dejar que ahora ell@s continúen el trabajo.

Muchas gracias por tu tiempo y tu valioso aporte.

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