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La Compañía Nacional de Danza regresa al Teatro de la Zarzuela


7 mayo, 2018
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Lo hace con un programa muy especial

La Compañía Nacional de Danza regresa al escenario del Teatro de la Zarzuela con un programa diseñado para la ocasión por su director artístico, José Carlos Martínez, que invita al espectador a un viaje a través de la historia de la Compañía.

El programa incluye una de las coreografías de Nacho Duato más representadas y aplaudidas durante su etapa de director de la CND y que creó originalmente para ella: Por vos muero.

Duato vuelve así al repertorio de la Compañía Nacional después de 7 años de ausencia. Asimismo, podremos disfrutar de nuevo del talento de Itzik Galili y del maestro checo Jirí Kylián de quien la CND ha llevado a escena más de diez ballets a lo largo de su historia.

Hikarizatto

Coreografía, Iluminación y diseño de vestuario: Itzik Galili
Música: Percossa (versión original)
Asistente repetidor: Elisabeth Gibiat
Duración: 18 minutos
Estreno el 8 de Abril de 2004 por el Stuttgart Ballet, Alemania
Estreno por la Compañía Nacional de Danza el 27 de mayo de 2018 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, España.

bailarines de ballet  La Compañía Nacional de Danza regresa al Teatro de la Zarzuela

Hikarizatto significa ‘luz saturada’. Los bailarines, iluminados directamente desde arriba, se convierten en criaturas anónimas, unidas por instinto, como si de un banco de peces o de una bandada de pájaros se tratara. El sabor asiático Hikarizatto, el favorito de la multitud. La pieza de Itzik Galili para 20 bailarines cumple la promesa de ‘ballet extremo’. Acompañada por música de percusión al estilo taiko, así como campanas, platillos y baquetas, la pieza transmite la sensación de un ritual misterioso, atemporal.

“Hikarizatto es una pieza moderna que llenará de energía tu espíritu”, Hikarizatto es una pieza visualmente impresionante que cuenta con tambores rítmicos y la marca del estilo de Galili con sus ‘off balance’ y su movimiento hiper-cinético.

bailarines de ballet  La Compañía Nacional de Danza regresa al Teatro de la Zarzuela

Sobre Itzik Galili

Itzik Galili ha creado más de noventa obras para numerosas compañías de danza internacionales, convirtiéndose la suya en una importante voz coreográfica a nivel mundial. Su trabajo combina movimientos expresivos con poderosas y poéticas imágenes. A menudo crea sus propios diseños de luz y transforma su experiencia y su percepción del mundo en una representación universal y humana.

El vocabulario del movimiento en Galili es muy enérgico, en algunas ocasiones incluso acrobático. Pero él no está solamente interesado en las posibilidades físicas de los bailarines. Con gestos sutiles y llenos de significado, es capaz de comunicar una expresión o un cambio en las relaciones de las personas.

Nacido en Israel, Galili se mudó a Holanda en 1991 y creó su propìo proyecto con base en Ámsterdam.En 1997, se convirtió en el director artístico de la recientemente creada compañía NND/Galili Dance en Groningen, Suecia, que dirigió durante once años ganándose un nombre propio y colocando, no sólo a la ciudad, sino a la región de Groningen, Drenthe y Friesland en el mapa de la danza.En 2009, Galili regresó a Ámsterdam como co-fundador de Dansgroep Amsterdam, compañía de danza contemporánea que representaba a la ciudad.

En abril de 2006, Itzik Galili es nombrado Caballero de la Real Orden de la Casa Oranje Nassau por la Reina Beatrix de los Paises Bajos, por su contribución a la danza holandesa.

Desde 2011, Galili es coreógrafo invitado por las más importantes compañías de la escena de danza internacional.

Gods And Dogs

Coreografía: Jirí Kylián
Música: Dirk Haubrich (composición), Jirí Kylián (concepto); Ludwig van Beethoven, String Quartet Opus 18, Nr. 1 in F-major, Movement I, Allegro con brio and Movement II, Adagio affettuoso ed appassionato.
Diseño vestuario: Joke Visser
Escenografía: Jiri Kylián
Diseño iluminación: Kees Tjebbes
Proyección por ordenador: Tatsuo Unemi, Daniel Bisig
Registro de video: Rob de Groot
Video: Dick Schuttel
Duración: 24 minutos
Asistente de coreógrafo: Urtzi Aranburu
Estrenado por el Nederlands Dans Theater 2, el 13 de noviembre de 2008, Lucent Danstheater, La Haya.
Estreno por la Compañía Nacional de Danza el 27 de mayo de 2018 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, España.

bailarines de ballet  La Compañía Nacional de Danza regresa al Teatro de la Zarzuela

El individuo enfrentándose a la realidad y a sus intentos de dominar o evitar las dificultades es uno de los temas claves en el trabajo de Jirí Kylián. Gods and Dogs (2008) explora este mismo proceso de pensamiento reflexionando sobre la forma en la que vestimos y los motivos subyacentes que nos hacen elegir entre un tipo de ropa u otro. Pasamos toda nuestra vida usando ropa como máscaras, intercambiándola o cambiándola dependiendo de las circunstancias y de la manera en que los otros nos ven. Aquí otra vez, el espectador puede sentir la fascinación de Jirí Kylián por el comportamiento del

individuo intentando encontrar su lugar en una sociedad formada por fronteras borrosas.

“Sobre ropa, vestuario y vendas, nacemos desnudos – sin protección para enfrentarnos a la vida. Nuestra primera experiencia en ropa son los pañales (si tenemos suerte).

Más tarde, nos vestimos con lo que nos den, nos obliguen, o hayamos heredado de hermanos mayores.

Nos protegen del sol y del frío y cubren nuestra desnudez.

Más tarde en la vida, tratamos de influir en la forma en que nuestro cuerpo está cubierto con súplicas y gritos, para convencer a nuestros padres o padres adoptivos, para proporcionarnos ropa, que nos ayudará a tener más confianza en nosotros mismos. O por lo menos nos confieran dignidad, proporcionándonos un cierto respeto ante el círculo altamente crítico y despiadado y de los niños que nos rodean.

Más adelante, cuando ya podemos financiarnos nuestra propia ropa, nos enfrentamos a más dificultades, ya que debemos empezar a tomar nuestras propias decisiones, y empezamos a entender, que al cubrir nuestro cuerpo de diferentes maneras, podemos mejorar o incluso cambiar nuestra personalidad, y haciendo eso también podemos cambiar nuestra posición dentro de la sociedad en la que vivimos.

Desafortunadamente, no estamos lo suficientemente preparados para hacer frente a estos desafíos. Todo esto se convierte en una empresa muy interesante, pero a menudo incierta. Somos fácilmente seducidos por las tendencias y la moda, influenciados por los amigos, las parejas y la familia, o por cumplir las reglas de religiones, creencias, orientación sexual y otras convicciones. A lo largo de nuestras vidas, nos encontraremos con la enfermedad (mental o física), y tendremos que vestir nuestras heridas vitales. Cuando nuestro cuerpo (físico o espiritual) no pueda soportar nuestra rutina diaria, necesitaremos ropa que nos permita hacerlo. Las prendas (todo tipo de soportes, vendajes, pañales para ancianos, etc.) que nos ponemos siempre que estamos enfermos, heridos o discapacitados, muestran a todos, que somos vulnerables. Una presa fácil, fácil de alcanzar, o ser blanco de un ataque. Pero este estado de vulnerabilidad también podría crear una circunstancia más inusual bajo la cual esa prenda represente un cierto tipo de “estigma” o algún tipo de valor “simbólico”. Elevándonos a terrenos espirituales más elevados (el manto de Jesús, el sudario de Gandhi o las prendas de ropa que los peregrinos usaban en sus viajes…).

A los bailarines les encanta vestirse con ropa vieja. Es de gran importancia psicológica su atuendo del día a día y tiene mucho que ver con supersticiones personales. Por muy casual que puedan parecer sus prendas, el conjunto nunca es cosa del azar. Dichas prendas esconden o revelan tanto su cuerpo como su estado mental, físico o mental.

Dentro de la comunidad de artistas, los bailarines siempre parecen ser los más sanos, tanto física como mentalmente; nada más lejos de la verdad. Comprados con los compañeros de cualquier otro ámbito artístico, los bailarines son más propensos a sufrir lesiones—tanto físicas, como mentales o emocionales—puesto que están obligados a exhibir su propio cuerpo como si fuera una obra de arte.

Seguro que no desvelo ningún secreto cuando digo que ninguno de nosotros nace perfecto. Heredemos fuerza y resistencia; pero también heredemos nuestras debilidades, y nuestra capacidad mental, con todas sus lagunas. Es inevitable que nuestra armadura emocional desvele sus grietas. Pero todos tenemos que convivir con nuestra herencia, desde el momento que emitimos nuestro primer grito hasta el silencio. En el transcurso de nuestras vidas los giros y vaivenes psicológicos —bien heredados, bien adquiridos—, así como la enfermedad, se convertirán finalmente en nuestros constantes compañeros. De repente, después de haberse llenado los pulmones de tanta vida, de inspirarse por tanta aventura, de embriagarse de tanto vivir, de repente, nos declaran enfermos, trastornados o disfuncionales.

Y es esta frontera que me fascina; la que se traza entre “lo normal y la locura”, entre “la salud y la enfermedad”, así como las normas que determinan lo que está de un lado o del otro.

El diagnóstico puede darse en cualquier momento de nuestras vidas. ¿Pero cuándo ocurre el verdadero momento en el que pasamos al otro lado de la frontera invisible entre la locura o la enfermedad? ¿Y quién será el Determinador…?

Me es evidente que no soy ni la primera ni la última persona que planteará estas preguntas y, además, creo que cada generación emergente debe de volver a examinar y definir las fronteras y los umbrales de la locura y la enfermedad.

Dejando a un lado las fronteras entre estas condiciones humanas y las características que definen cada lado, lo que parece estar fuera de toda duda es que no se puede conseguir ningún avance de calado sin la ayuda de una dosis sana de locura.”

Jiří Kylián – Noviembre 2008

Sobre Jirí Kylián

Jiří Kylián (Checoslovaquia, 1947) empieza su carrera en la danza a los nueve años, en la escuela del Ballet Nacional de Praga y en 1962 el Conservatorio de Praga le admite como alumno. En 1967, abandona Praga tras recibir una beca de la Royal Ballet School de Londres. Después, la deja para unirse al Stuttgart Ballet bajo la dirección de John Cranko. Kylián debuta allí como coreógrafo con Paradox para la Noverre Gesellschaft. Tras la creación de tres obras para el Nederlands Dans Theater (Viewers, Stoolgame y La Cathédrale Engloutie), pasa a ser director artístico de la compañía en 1975. Es en el año 1978 con Sinfonietta, cuando pone a la Nederlands Dans Theater en el punto de mira internacional. Ese mismo año, junto a Carel Birnie, funda la Nederlands Dans Theater II, que servía de puente entre la escuela y la vida profesional de la compañía además de ser una oportunidad para que los jóvenes bailarines desarrollasen su habilidad y capacidad e hiciera las veces semillero del talento más incipiente. Asimismo, en 1991, Kylián crea la Nederlands Dans Theater III, la compañía para bailarines senior, de más de cuarenta años. Esta estructura tridimensional resultó algo totalmente innovador en el mundo de la danza. Tras esta extraordinaria hoja de servicios, Kylian cede la dirección artística en 1999, pero continúa formando parte de la compañía como coreógrafo estable hasta diciembre de 2009. Jiří Kylián ha creado casi cien piezas, muchas de las cuales se representan por todo el mundo. Kylián no sólo ha puesto sus creaciones al servicio de la Nederlands Dans Theater, sino también para el Stuttgart Ballet, el Ballet de la Ópera de París, la Ópera Estatal de Baviera en Munich, la televisión sueca y el Ballet de Tokio y ha trabajado con personalidades de talla internacional, como los compositores Arne Nordheim (”Ariadne” 1997), Toru Takemitsu (”Dream Time” 1983), los escenógrafos Walter Nobbe (”Sinfonietta” 1978), Bill Katz (”Sinfonía de los Salmos” 1978), John Macfarlane (“Forgotten Land” 1980), Michael Simon (”Stepping Stones” 1991), Atsushi Kitagawara (”One of a Kind” 1998), Susumu Shingu (”Toss of a Dice” 2005), Yoshiki Hishinuma (“Zugvögel’’ 2009).

Durante el verano de 2006, junto con el Director de Arte cinematográfico, Boris Paval Conen, crea la película CAR-MEN, coreografiada “in situ” en las minas de lignito de la República Checa. En 2010, Kylián actúa de Mentor de Danza en la Iniciativa Artística Rolex para Mentores y Discípulos.

Durante el transcurso de su carrera, Kylián ha recibido numerosos reconocimientos internacionales, entre los que se encuentran: “Oficial de la Orden de Orange-Nassau” de los Países Bajos, “Doctor Honorario” de la Julliard School de Nueva York, tres premios Nijinski en Montecarlo (mejor coreógrafo, compañía y obra), el premio “Benoit de la Danse”, Moscú y Berlín, “Medalla Honorífica” del Presidente de la República Checa, “Comandante de la Legión de Honor” de Francia y, en 2008, se le condecoró con uno de los más altos reconocimientos reales, la Medalla de la Orden de la Casa de Orange, otorgado por Su Majestad la Reina Beatriz de los Países Bajos. En 2011, Kylián recibióen Praga el Premio del Logro de toda una Vida en la categoría de teatro y danza del Ministerio de Cultura Checo y ese mismo año su documental Forgotten Memories recibió el premio de la Televisión Checa. En 2017, Kylián recibió el prestigioso Gold Penning como ciudadano de honor de La Haya, en los Países Bajos.

Por vos muero

Música: Música Antigua Española – siglos XV y XVI- (Cançons de la Catalunya mil.lenària – El Mestre, popular catalana interpretada por La Capella Reial de Catalunya, Jordi Savall director; Canciones y Danzas de España, y España, Antología de la Música Española).
Escenografía: Nacho Duato
Figurines: Nacho Duato (con la colaboración de Ismael Aznar)
Diseño de Luces: Nicolás Fischtel (A.A.I.)
Texto: Garcilaso de la Vega
Voz: Miguel Bosé
Duración: 23 minutos
Estrenado por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de Madrid, el 11 de Abril de 1996.

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Duato se ha inspirado en música española de los siglos de oro que junto con los bellísimos versos de Garcilaso de la Vega sirven al coreógrafo como hilo conductor entre la lógica contemporaneidad de la danza en Por Vos Muero y su referencia histórica. En los siglos XV y XVI las danzas formaban parte de la expresión del pueblo, en todos sus estratos, lo cual redundaba en que supusieran realmente el reflejo de la cultura de su tiempo. Por Vos Muero quiere ser un homenaje a ese papel fundamental que la danza ocupaba entonces en nuestra sociedad.

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Sobre Nacho Duato

Nació en Valencia. En 1980 Nacho Duato firmó su primer contrato profesional con el Cullberg Ballet (Estocolmo) y, un año después, de la mano de Jirí Kylián, ingresó en el Nederlands Dans Theater, compañía de la que fue nombrado Coreógrafo Estable, junto a Hans van Manen y Jiří Kylián, en 1988.

Por sus éxitos como bailarín recibió en 1987 el VSCD Gouden Dansprijs (Premio de Oro de la Danza). Su primera coreografía, Jardí Tancat (1983), con música de María del Mar Bonet, ganó el primer premio en el Internationaler Choreographischer Wettbewerb (Concurso Coreográfico Internacional) de Colonia.
En 1995 recibió el grado de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras que concede la Embajada de Francia en España.
En 1998, el Consejo de Ministros le galardonó con la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes.

En abril de 2000 recibió en la Ópera de Stuttgart el Premio Benois de la Danse, en su IX edición, que otorga la International Dance Association, por Multiplicidad. Formas de Silencio y Vacío (1999). Es Premio Nacional de Danza 2003 en la modalidad de Creación. En 2010 recibe el premio del Círculo de Críticos de Arte en Chile así como la nominación a la Máscara de Oro de Moscú por Na Floresta. Ese mismo año celebra 20 años de dirección artística con la Compañía Nacional de Danza. Fue director de la Compañía Nacional de Danza de 1990 a 2010.

Fue director del Teatro Imperial Mijailovski de St Petersburgo de 2011 a 2015. Desde 2015 dirige el Ballet de la Staats Oper de Berlin que abandonará a finales de 2018. En 2017 anuncia que a partir de 2019 creará la Fundación Nacho Duato.

Sus ballets forman parte del repertorio de las más prestigiosas compañías de todo el mundo.

Nota de prensa

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